IL TESTO CRITICO LO HA SCRITTO Alexandre Dumas TITOLO :

Le Comte de Monte-Cristo -

ALL’INFERNO GLI ARTISTI
Promenade nell’ARTE contemporanea
Nella gora delle Province
di ANTONIO PICARIELLO (di prossima pubblicazione)

Chi doveva è stato ricompensato, adesso è il momento della vendetta:
« E ora – disse l’uomo sconosciuto – addio bontà, umanità, riconoscenza… Addio a tutti i sentimenti che allargano il cuore!… Mi sono sostituito alla Provvidenza per ricompensare i buoni… che il Dio vendicatore mi ceda il suo posto per punire i malvagi!»

« Io! Conduco la vita più felice che conosca, una vera vita da pascià; sono il re del creato: se mi piace un luogo, mi fermo; se mi annoio, riparto; sono libero come un uccello, come lui ho le ali; le persone che ho intorno mi obbediscono a un solo cenno. Di tanto in tanto mi diverto a prendermi gioco della giustizia umana sottraendole un bandito che sta cercando, un criminale che insegue. Poi, ho una mia giustizia personale, bassa e alta, senza proroghe né appello, che condanna o assolve, e che dipende soltanto da me.»

« Io sono uno di quegli esseri eccezionali, sì, signore, e credo che fino a oggi nessun uomo si sia trovato in una condizione simile alla mia. [...] Il mio regno è grande come il mondo [...]: io sono cosmopolita. Nessun paese può dire di avermi visto nascere. Dio solo sa quale contrada mi vedrà morire. Adotto tutti i costumi, parlo tutte le lingue. [...] Dunque capirete che non essendo di nessun paese, non chiedendo protezione a nessun governo, non riconoscendo nessun uomo per mio fratello, non uno solo degli scrupoli che fermano i potenti, non uno solo degli ostacoli che paralizzano i deboli, può fermarmi o paralizzarmi. Ho soltanto due avversari, non dirò due vincitori perché riesco a sottometterli con un po’ di tenacia: la distanza e il tempo. Il terzo, e il più terribile, è la mia condizione di uomo mortale. Soltanto questa può fermarmi nel cammino che percorro, e prima che abbia raggiunto il mio obiettivo; tutto il resto, l’ho calcolato. I cosiddetti capricci della fortuna, cioè la rovina, l’imprevisto, l’eventualità, li ho tutti previsti; e se qualcosa può colpirmi, niente può abbattermi. A meno che non muoia, sarò sempre ciò che sono.»

« «Signori – disse il presidente quando fu ristabilito il silenzio, – ritenete il BARONE GERVASIO LADRO DI GALLINE  colpevole di fellonia, di tradimento e di indegnità?»
«Sì» risposero con voce unanime tutti i membri della commissione d’inchiesta. »

« Tu strapperai i denti al drago, tu calpesterai i leoni, ha detto il Signore. »

« I due aiutanti avevano portato il condannato al patibolo e là, malgrado i suoi sforzi, i suoi morsi, le sue grida, lo avevano costretto a mettersi in ginocchio. Intanto il boia si era messo di lato con la mazza sollevata; poi a un suo cenno i due aiutanti si spostarono. Il condannato volle rialzarsi, ma prima di averne avuto il tempo la mazza si abbatté sulla sua tempia sinistra; si udì un rumore sordo e cupo, il condannato cadde come un bue con la faccia a terra e poi, per il contraccolpo, si rivoltò sulla schiena. Allora il boia lasciò cadere la mazza, prese il coltello dalla cintura e con un colpo solo lo sgozzò. Quindi salitogli sul ventre, si mise a pestarlo con i piedi. A ogni pressione un fiotto di sangue sprizzava dal collo del condannato. »

http://declinatoalfemminile.gqitalia.it/tag/tonina+cianca

http://www.criticart.it/?p=705

http://www.criticart.it/?p=4303

Arte e memoria : Tonina Cianca.
Di Tonina Cianca, artista di cui ho accennato appena devo assolutamente dire di più. Volevo farlo da quando sono rientrata in contatto con lei, in modo diciamo indiretto. Eppure. Eppure il rapporto con la sua arte, nel panorama della mia visione (quasi) quotidiana non è mai mancato, e sono passati tanti anni. Proprio tanti, non li so nemmeno quantificare. Ma cerco di procedere con ordine per quanto possano concedermelo le urgenze della memoria, gli inchini e gli omaggi che dentro, nel cuore, nella retina, nei pensieri non sempre consapevoli sono sempre stati presenti. E poi arrivano. a valanga.
Qui è possibile leggere un colloquio con l’artista di Claudia Rocchi. Inizia cosi:
“La storia di un artista è un pezzo unico, un racconto solitario diverso da ogni altro. La storia di Tonina Cianca possiede qualcosa in più. Perché Tonina è nata, cresciuta, vissuta in uno stesso paese, Cesenatico; dentro ad una sola, grande casa dai due volti: focolare di famiglia in inverno, residenza per turisti d’estate..”
e ancora
“..Se ne rese conto Tono Zancanaro, suo “talent scout”, suo maestro, suo cliente. Davanti a quel panorama esclamò: “Adesso capisco perché lei fa la linea del mare così alta. Perché solo stando in alto, si può fare un orizzonte alto. E, onestamente, devo riconoscere che dei due ha più diritto lei di me di fare la linea del mare”. Già, Tono. Fu lui ad imporle la sua prima mostra. Lei fino a quel momento aveva dipinto solo da sé. “Avevo sempre fatto delle cose. Non avendo la costanza di cercare galleristi o critici, una professionista non lo sono diventata mai. Ma nell’ inverno del ‘ 70- ‘ 71, ali ‘ Accademia di Ravenna si teneva un corso d’incisione; il maestro era Zancanaro. Lo frequentai. Alla fine, Tono m’impose la mia prima Personale, alla Loggetta Lombardesca di Ravenna. “Cara signora, mi disse, mi dispiace: lei è un’artista. Adesso sono fatti suoi”. E la passione diventò necessità. “Non bisogna credere agli artisti che dicono che si di- vertono; non c’è un segno, non c’è una macchia di colore, che uno non dia con l’intento di fare meglio che può. Dipingere è un tramite, ecco perché si può parlare di passione. Ecco perché si può dire, forse: ho fatto così perché non potevo non farlo”. Una Personale non qualunque, quella prima volta. “Alla fine, soddisfatto. Tono aggiunse: “Se anche lei non dovesse fare nient’altro nella vita, questo lavoro giustifica una vita artistica..”
e poi
“Nella serie delle incisioni c’è come una scansione di tipo matematico, un segmento che diventa profilo, che rimane in maniera ostinata. Niente è gratuito, diventa un impegno “onesto”. Ma mi è piaciuto sentire anche un “peso” perché il segno è così astratto, filtrato, mentale, che è più discorso. Invece desideravo avere pure qualche cosa di corposo, addirittura per essere colorato. E sono nate le famose ovarole”. Concepite in quella casa plasmata dal nonno, vera fonte d’immaginazione per Tonina. “Il nonno Aurelio è stato uno dei primi albergatori a Cesenatico. Non soltanto fece erigere l’Eritrea, albergo magnifico per quei tempi. Fece pure la colonia Verone- se, quale succursale dell’albergo. Fra i due complessi, sotto la strada c’è ancora il sottopassaggio”. Una famiglia, i Cianca, esemplare anche nello stile. Ne va fiera, Tonina: “I nostri vecchi dipendenti mi ripetono: abbiamo una grande nostalgia di voi, conserviamo un ricordo di grande correttezza e di rispetto che sempre avete mantenuto nei nostri confronti”. Tonina era una privilegiata in quel luogo sospeso sul mare. “Sono nata in un albergo ma da bambina sono stata come una principessa che nasce in un castello (ride)..”
Bene, il racconto della vita di Tonina Cianca continua e qui si possono leggere opinioni critiche importanti sulla sua opera e qui avere un piccolo, piccolissimo assaggio del suo lavoro( ho preso in prestito una immagine). Ma l’incrocio con la mia vita. Eccolo
Io da bambina andavo all’Eritrea. Ho passato tutte le mie estati a Cesenatico in quell’albergo che, davvero, somigliava ad un castello. Nel giardino dell’hotel Eritrea ho varcato le soglie di passaggi fondamentali( il primo bacio, i veri fremiti amorosi, le rincorse, la gioia, la paura dell’allontanarsi dei genitori, la seprarazione imminente, i momenti con la nonna che ora non c’è più) Quando nel mio primo romanzo, Hot Line( Einaudi 1996) narro di un pianto disperato a tavola, in un albergo al mare, con le lacrime della protagonista-bambina che cadono in una minestrina in brodo, è il salone dell’Hotel Eritrea che ho in mente, è lì che avvenne quella scena rimasta scritta, e avvennero tante altre cose. Piccole e grandi iniziazioni. L’hotel Eritrea creata dal nonno Aurelio di Tonina Cianca( io ricordo la sua mamma, dolcissima signora perfetta davvero come una nobildonna d’altri tempi) e ricordo lei, lei che era originale e speciale, scendeva a vederlo quel suo mare indispensabile elemento, e mi affascinava per qualcosa di magico, da incantatrice che emanava, Una bella signora che avrei seguito come si segue il pifferaio magico. Cosa intendo quando dico che le sue opere sono rimaste negli anni a me vicine?
Mio padre ne comprò diverse. Adesso vivo metà a Bologna e metà a Imperia, in Liguria. Qui, nella casa ligure( sul mare, comunque) ho un orologio e un quadro etnico sulla mia scrivania ma a Bologna , dove scrivo e lavoro ho i quadri di Tonina Cianca. Sette, se non sbaglio. E mi hanno sempre accompagnato, in tutte le case che ho cambiato, durante tutti i traslochi.
Quei quadri. Quel segno, quei tratti, quei volti. Il mare. C’era qualcosa e c’è sempre stato, nei quadri di questa artista che ho sentito parte di me, di una memoria certo, ma anche di una storia di donna, di un divenire, di un percorso che lei tracciava e tesseva dipingendo e ancora adesso,quando li guardo soffermandomi, c’è sempre un dettaglio, un piccolo enigma che mi parla, inatteso, che mi fa sussultare, imprevisto, che ancora mi emoziona. In una stratificazione di passato, ricordi e bellezza . Nella storia di una vita speciale. Con questo e per questo desideravo ricordarla, ricordare. Perché L’arte è questo, emozione, nel lungo lunghissimo periodo. Interdipendenza e memoria. Storia personale strappata all’oblio, che si incrocia alla storia di altri.
Francesca Mazzucato

http://web.comune.cesenatico.fc.it/turismo/

Numerosi rinvenimenti archeologici testimoniano la presenza di insediamenti umani nel territorio di Cesenatico almeno fin dall’epoca romana:nell’immediato entroterra, doveva trovarsi la località di “Ad Novas”, citata nelle antiche carte, ma non ancora localizzata con certezza.
L’origine del centro storico attuale risale invece al Medioevo, e più precisamente al 1302, anno nel quale, se si vuole prestar fede alle antiche cronache, la città di Cesena volendo assicurarsi uno sbocco al mare per i suoi traffici, inizia a scavare il porto canale e costruisce una rocca per difenderlo.
Una precauzione necessaria, perché nei due secoli successivi il porto, di importanza strategica dal punto di vista commerciale e militare, fu teatro di frequenti lotte fra signorie in seguito alle quali fu più volte interrato e distrutto. Porto Cesenatico restò in mano a Cesena durante il periodo malatestiano; nella breve parentesi del dominio di Cesare Borgia, il “ Duca Valentino “, il porto fu oggetto dell’attenzione di Leonardo da Vinci, ingegnere del duca, che ne fece il rilievo in vista di futuri interventi. Dopo un brevissimo dominio veneziano (del quale resta traccia nelle due colonne poste ai lati del ponte sul canale), Cesenatico passò allo Stato della Chiesa per oltre tre secoli.
Solo nel 1827, dopo lunghe rivendicazioni, ottenne l’autonomia da Cesena. Il 2 agosto 1849 fu teatro dell’imbarco di Garibaldi alla volta di Venezia assediata in compagnia di Anita e di altri patrioti: un evento che divenne in seguito una sorta di “mito fondatore “ per la nuova identità cittadina dopo la nascita dello stato unitario.
Nel corso dell’Ottocento si sviluppa sempre più la l’attività peschereccia, anche ad opera di diverse famiglie chioggiotte che vengono a stabilirsi a Cesenatico con i loro caratteristici “ bragozzi”. Alla fine di questo secolo viene costruito il primo stabilimento balneare e la spiaggia inizia ad essere frequentata dai bagnanti. Consapevole dell’importanza di questa nuova risorsa, l’Amministrazione di Cesenatico promuove una accurata lottizzazione della zona mare, concedendo gratuitamente aree fabbricabili per la costruzione di villini: in pochi decenni Cesenatico diviene un’ambita meta turistica e vede sorgere anche diverse colonie insieme ai primi alberghi.
Dopo il secondo conflitto bellico, con la fine del piccolo trasporto marittimo, la nuova industria turistica vede Cesenatico in primo piano sul versante della promozione:la città intuisce però in tempo i rischi di certi modelli rappresentati in seguito da altre città della Riviera, e a partire dagli anni Settanta inizia un’opera di valorizzazione della propria storia e cultura, che attraverso diverse realizzazioni ( piazza delle Conserve, il Museo della Marineria, Casa Moretti, i Giardini al Mare) costituisce oggi insieme al mare e alla spiaggia il migliore “ biglietto da visita “.

Giulia Di Filippi espone nell’Auditorium
La nota artista per la prima volta in mostra ad Isernia

Un immaginario abitato da simboli e segni, un corollario di colori forti e brillanti, una ricerca continua di esplorazione e conoscenza della mente e delle emozioni umane sono gli input creativi che segnano nella sua originalità espressiva le opere dell’artista Giulia Di Filippi.
La Sala delle Esposizioni dell’Auditorium di Isernia dal 20 maggio, con vernissage alle ore 17.00, ospiterà fino al 10 giugno la Mostra- evento che raccoglie e fa conoscere la più recente produzione della Di Filippi realizzata con la stretta osmosi tra pura espressione creativa e studio di teorie di fisica, di alfabeti scomparsi, di archetipi universali, del potere creativo dell’eros e della bipolarità che si ricompone nell’1.
Tema portante e titolo della Mostra è proprio: L’Opposto e l’1- L’1 e L’Opposto. La serie dei lavori esposti sono nati in continuità con i percorsi espressivi precedenti di cui sono la sintesi per evoluzione stilistica e di pensiero, siamo, infatti, di fronte ad un’artista fortemente caratterizzata dalla ricerca concettuale.
Un mix di intelletto e di emozione caratterizza il suo stile e l’idea portante della sua ricerca quando il segno iconografico diviene strumento di indagine ed esplicita il senso dell’Arte.
Sono proprio le opere scelte per al partecipazione alla 54.Biennale di Venezia quelle che maggiormente interpretano la teoria degli opposti e della bipolarità dell’esistenza. Per la Di Filippi tutto è bipolare e tutto va verso la ricomposizione che porta all’1, tema già trattato nelle opere esposte al Palazzo des Festivals di Cannes.
Nella Mostra allestita nell’Auditorium di Isernia, luogo preposto ad accogliere eventi artistici e culturali di rilievo, la pittrice esporrà anche opere ispirate all’Eros, alla Stilosofy ( ovvero la filosofia dello stile) e alla serie Polisens in cui caramelle e cioccolato diventano veicoli espressivi di un pensiero che si rivolge al dolce-amaro dell’esistenza. I quadri, che hanno il sapore di una rappresentazione antologica, sintetizzano la sua continua ricerca, la costante sperimentazione nel campo dell’Arte e l’elevato spessore tecnico ed espressivo raggiunto.
La Mostra si avvale della pubblicazione di un catalogo, carrellata vivace, rappresentativa e interessante delle opere esposte e di pezzi critici di Giovanna Viti, della stessa artista e di Maria Stella Rossi, alla quale è stata affidata la cura dell’Esposizione che vuol anche celebrare, nella città in cui la Di Filippi vive, il suo impegno creativo ed espressivo.
La serata inaugurale si avvale anche della voce recitante di Pino Tomassone, della proiezione del video Gli Opposti e della musica del maestro Simone Sala, tratta dal CD Duende.
L’Esposizione potrà essere visitata a partire dal venti maggio fino al dieci giugno, dalle diciassette alle venti.

caro Costantini, ho deciso. quest’anno chiudo l’attività oltretrentennale e inutile di critico in Italia e vengo a passare un mese di vacanze con mio figlio a Penne. sai indicarmi un buon albergo, non di massa, come quelli che esistevano una volta in Romagna, genuini con gente tranquilla che non guarda la televisione e sorride sempre….?

Una palabra no dice nada
y al mismo tiempo lo esconde todo
igual que el viento que esconde el agua
como las flores que esconde el lodo.

Una mirada no dice nada
y al mismo tiempo lo dice todo
como la lluvia sobre tu cara
o el viejo mapa de algun tesoro.

Una verdad no dice nada
y al mismo tiempo lo esconde todo
como una hoguera que no se apaga
como una piedra que nace polvo.

Si un dia me faltas no sere nada
y al mismo tiempo lo sere todo
porque en tus ojos estan mis alas
y esta la orilla donde me ahogo,
porque en tus ojos estan mis alas
y esta la orilla donde me ahogo

Traduzione

Una parola non dice nulla
e allo stesso tempo nasconde tutto,
come il vento nasconde l’acqua,
come i fiori che nascondono il fango.

Uno sguardo non dice nulla
e allo stesso tempo dice tutto,
come la pioggia sopra il tuo viso
o la vecchia mappa di qualche tesoro.
Come la pioggia sopra il tuo viso
o la vecchia mappa di qualche tesoro

Una verità non dice nulla
e allo stesso tempo nasconde tutto,
come un falò che non si spegne,
come la pietra che nasce polvere.
Se un giorno mi mancassi, non sarei nulla
e allo stesso tempo sarei tutto,
perché nei tuoi occhi ci sono le mie ali
e c’è la riva dove mi affogo.
Perché nei tuoi occhi ci sono le mie ali
e c’è la riva dove mi affogo.

Tommaso Evangelista:
Pochi giorni fa, colto da un infarto, è mancato Omar Calabrese, uno dei più importanti studiosi italiani. Calabrese, classe 1949, è stato semiologo, docente di teoria della comunicazione, studioso del linguaggio dei media e delle arti visive; laureato in storia della lingua, dopo aver insegnato semiologia delle arti all’università di Bologna è stato professore di semiotica presso l’università di Siena; “allievo” prediletto di Umberto Eco ha compiuto studi fondamentali nell’ambito della comunicazione visiva, dell’arte in senso stretto e dei mass media. Abbiamo fatto alcune domande ad Antonio Picariello, critico d’arte militante, saggista e conferenziere, allievo di Calabrese che si è formato proprio nel solco di quei visual studies tanto frequentati dal semiologo.

Ci sarebbero moltissimi punti sui quali soffermarsi parlando di un intellettuale come Omar Calabrese data la vastità delle sue ricerche; per prima cosa volevo chiederti un pensiero o un’impressione sulla sua figura di uomo e di intellettuale e, in particolare, di studioso dei fenomeni artistici alla luce dell’odierno sistema dell’arte italiano e della nuova generazione di critici d’arte.

Tra i tanti saggi di Calabrese volevo soffermarmi sul suo testo, forse, più famoso, “L’età neobarocca”, scritto più di due decenni fa ma ancora molto attuale. Per neobarocco lo studioso intendeva l’eccesso del visibile e l’esasperazione del linguaggio che caratterizza un’estetica di massa ansiosa nella ricerca dell’originale e dell’inconsueto. Siamo ancora secondo te in un periodo “neobarocco”?

Per rimanere in tema con un altro celebre testo del semiologo come si legge (o si dovrebbe leggere) un’opera d’arte e qual è il linguaggio proprio dell’arte?

Con Calabrese è sparita una di quelle poche figure di studiosi capaci di intuire tra le pieghe dei fenomeni contemporanei di massa i segni di una trasformazione che molto spesso diventa degenerazione politica, culturale, di costumi e che, parlando di arte, può diventare degenerazione stilistica e di contenuti. Quale può essere un rimedio o una via di fuga e quale dovrebbe essere il ruolo dell’intellettuale oggi?

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Antonio Picariello:
Dopo la scomparsa di Omar Calabrese (O. C.) i mass media di ogni tipo e di ogni taglia si sono scatenati. Sento spesso dire negli encomi di rito e nelle girate giornalistiche – L’altra sera è morto O. C. “allievo” prediletto di Umberto Eco -. Non so perché, ma avverto un senso di inquietudine, di tristezza, quasi di aumentata luttuosità ad ogni girata mediatica che mostra questa definizione. È una presentazione che sento disarmonica, stonata perfino nel valore di immagine indotta malamente ( come dicono i partenopei) nel desiderio stanco di dare iconografia santificante ad un uomo tra i migliori che il pianeta abbia mai generato. Che O.C. sia stato tra i migliori italiani lo documentano, come giustamente dici, le poliedriche produzioni dei tanti testi saggistici, letterari, giornalistici, cinematografici e i geniali palinsesti televisivi cui accenni. Quindi, avverto lo stralunamento della frase e provo a rimettere il calibro del messaggio nella sua posizione giusta. Non perché allievo prediletto di qualcuno, Omar Calabrese deve restare nelle maglie dell’esegesi storica per nominata giovanile sapienza maestrale riconosciuta uniformemente e autonomamente dal mondo intero all’intellettuale italiano. Va graduata la forza delle nostre opinioni storicizzanti la vita attiva del docente universitario, del critico delle arti, del giornalista responsabile di riviste prestigiose e diffusive della scienza semiologica in Italia e nel mondo. Su questo principio posso rispondere alle tue interessanti domande. Ad O.C. attribuisco rispetto e stima, non solo per conoscenza personale o per i tanti lavori gentili di cui mi ha omaggiato nel corso delle produttività degli eventi artistici o per “amicizia” onorevole e per professionalità, ma soprattutto per il suo merito civile di aver fatto evolvere la sapienza umanistica universale. Alcuni suoi testi sono stati tradotti in 40 lingue diverse, per uno in particolare, “L’art du trompe-l’oeil”, l’Accademia di Francia gli riconosce le “Prix Bernier” per il miglior libro d’arte dell’anno. Un prezioso riconoscimento che la dice lunga sulla qualità del giovane Maître internationale. Riconoscimento giunto, purtroppo, pochi anni prima del taglio mitologico delle Moire attivato alla scadenza dei suoi 63 anni di vita. Un giovanissimo professore universitario O.C. se si prende in considerazione che il sistema moderno italiano prevede il pensionamento oltre il settimo giorno della creazione divina. Comunque è riconoscimento tra i più prestigiosi della cultura francese e i francesi in campo di approvazioni sono per definizione stoici e aggiungerei, per rima popolare, anche stitici. Lo dice lo statuto della stessa Académie che ha per principale funzione quella di “vegliare” sulla lingua francese. Per avere un’idea di massima posso dirti che nel 1989 il discorso del Primo ministro Michel Rocard fu tenuto principalmente per direzionare l’attenzione del Consiglio superiore della lingua francese su cinque punti riguardanti l’ortografia (il tratto d’unione, il plurale delle parole composte, l’accento circonflesso, il participio passato dei verbi pronominali e varie anomalie [immagina la forza delle nostre parole in libertà formulate nel secolo scorso dal futurismo di Marinetti, riflettiamo un momento sull’ev/involuzione italiana riguardo la lingua) considerata dai francesi come suprema barriera di difesa dell’identità nazionale e si comprende subito la potenza riconosciuta internazionalmente al genio creativo e didattico di O.C. Se poi si pensa la nostra lingua come sia stata ridicolizzata dall’Unione Europea senza che nessun italiano (se non per poche anime eremite) si sia crucciato per l’ estromissione della lingua identitaria dalle traduzioni ufficiali nei documenti giuridici comunitari, si comprende la “sostanza” del semiologo, amico e professore da cui ho appreso con leggerezza insieme ad un gruppo pioneristico uni-bolognese negli anni settanta, la cognizione dell’arte non attraverso le variazioni umorali della storia, ma tramite l’applicazione di un metodo scientifico nuovo che allora, la prolifera disciplina semiologica, andava a rimettere nel secco tessuto accademico rinvigorendolo di passione e di ricerca rivestita di speranze progettuali, di linguistica e di interattività condivisa tra i vari modelli scientifici e disciplinari delle università italiane. O. C. insegnava apprendendo dai nuovi linguaggi urbani e restituiva modalità semiotiche nel giudizio di valore proprie della professione del critico ( Il Dams sfornava critici, le accademie gli artisti). La tua giusta domanda mi rende coscientemente responsabile a non appannare l’autonomia reggente dell’immagine dell’ uomo genius, l’ eccellente studioso, il docente serio e pedagogicamente fruttifero, uno dei massimi modelli mondiali contribuente la costruzione, lo sviluppo e, sulla scia intellettuale (e qui si va detto, così rispondo e chiudo il senso) della formulazione interpretativa di Umberto Eco, per la conoscenza semiotica o semiologia come la scuola bolognese dichiarava e tutt’oggi dichiara anche se con una passionalità giovanile diversa. Così credo averti risposto indirettamente anche riguardo le preoccupazioni dell’odierno sistema dell’arte italiano che da un decennio e oltre sacrifica le proprie potenzialità espressive al riscatto di qualche esperto gallerista, amministrazione pubblica o mercante saraceno cui la nuova generazione di critici per compiacimento letterario spesso si affida. Non sempre si avverte lo scrupolo ai danni potenziali che potrebbe arrecare o contribuire ad arrecare, in connivenza silenziosa, la nuova vecchia maniera che i giovani valorizzatori dell’arte mettono a volte superficialmente in campo. Capisci, la scomparsa di un onorevole Maître internationale apre possenti preoccupazioni per chi ha l’abitudine di lavorare con senso cosciente nella diffusione del pensiero artistico. Gli artisti veri, quelli che non dormono per cercare dio nelle opere, quelli magici culturalmente superiori all’uomo comune, in parte sentono anch’essi la mancanza avvenuta, gli altri, quelli del bricolage , quelli che tracciano “linee con il compasso“ e che credono di aver fotografato dio, quelli contniueranno « tranquillement » a svolgere le proprie attività di rutine senza essere neanche sfiorati dalla mancanza avvenuta di un grande uomo come Omar Calabrese. Così credo aver risposto anche alle altre domande e riguardo il testo “L’età neobarocca” che sintetizzi molto bene, credo, almeno sociologicamente, siamo in un sistema di pensiero artistico divenuto vanitosamente bricolage e una vicinanza neo-barocca come la intende O.C., dopo la decantazione della PoP Art che non sortiva da una bella maniera Dadaista, ma dal mistificato riutilizzo di quell’arte parvenu del kitsch tedesco , anche volendo attestarsi la tesi di Greenberg in “Avant-garde and kitsch”, con cui definisce le correnti di avanguardia e del modernismo buoni strumenti da anteporre all’invasione colonizzatrice della cultura del consumismo e di conseguenza della produzione kitsch, dove per kitsch intendo la produzione vanitosa del bricolage artistico di cui sopra, o come si diceva allora, nel ’39, popolare, commerciale, illustrativo, basso. Oggi nel 2012 questa maniera W.00 sembra caratterizzare l’unica sapienza di chi produce, compra, vende arte senza accorgersi neanche che un grande pensiero della semiologia si sia trasferito a mondi paralleli per una diretta compagnia di Platone, Aristotele, Socrate, Dante, Lorenzo dei Medici e tanti altri con cui da questa parte, prima, Omar Calabrese aveva discusso segretamente attraverso i testi. E poi, perché no! Un’accesa discussione per la spoliazione del barocco al Borromini a favore del neo-barocco Calderini progettista del Palazzo di Giustizia di Roma?, o per simpatia alla sua precedente attività di docente prima bolognese e poi senese discuterà con Pierpaolo Quaglia sull’ Università Federico II di Napoli? Ma conoscendolo, lui fiorentino di razza, credo almeno per adesso,faccia il filo al Brunelleschi. Stammi bene Tommaso.
Omar Calabrese: Per degenerazione di uno stile si può intendere la perdita dei parametri di controllo che hanno portato alla sua nascita. Questi parametri sono sempre, in parallelo, appartenenti sia all’espressione che al contenuto. Quando ci si orienta verso una sola delle due direzioni lo stile è degenerato perché ha perso i parametri che ne hanno permesso la nascita. Quando parliamo di un film, magari di non grande bellezza formale ma che si costruisce attorno ad un intreccio esasperato, con decine e decine di personaggi, allora lì c’è stata un’evoluzione negativa perché siamo di fronte alla ricerca di una complicazione estrema, ma non c’è nulla sul piano della ricerca formale. La televisione, ad esempio, ci sta abituando a costruire varianti sempre più complicati ma delle stesse storielle; nei serial alla TV assistiamo chiaramente alla super-complicazione narrativa. È ormai diventata una follia seguire vicende, amori e disamori dei personaggi: se uno ha perso tre puntate non capisce più dove si trova perché le complicazioni sono folli. C’è un fenomeno analogo sul grande schermo: è il caso di un film molto neobarocco come Matrix. Quando vediamo il sequel non vi accade nulla se non la ripetizione esasperata delle invenzioni del primo episodio. Con il terzo abbiamo quasi la stessa cosa, magari si cerca di arrivare a una qualche conclusione ma attraverso un’esasperazione degli stessi trucchi cinematografici e un eccesso di effetti speciali.

Tommaso Evangelista (Isernia 1983) è storico e critico d’arte e curatore indipendente. Dopo la laurea specialistica in arte moderna presso l’università La Sapienza di Roma attualmente sta frequentando il master di II livello in mediazione culturale nei musei presso l’università di Roma Tre. E’ studioso di storia e tecniche dell’incisione e delle teorie critiche del Novecento, oltre che del panorama artistico del Molise. Ha curato mostre in spazi pubblici e privati nella sua regione e diversi cataloghi per esposizioni e per singoli artisti. Pubblicista, scrive regolarmente per testate di settore e per la stampa locale e, attualmente, collabora come critico presso la Galleria Officina Solare ex ArchetypArt Gallery di Termoli